Indiepoprock.net - chroniques de disques

Yuill (James) - Movement in a Storm

Tue, 27 Jul 2010

Le premier album de James Yuill, "Turning Down Water For Air", avait été une jolie bouée de sauvetage ensoleillée au cours d'un hiver 2009 interminable. Un peu plus d'un an plus tard, le grand escogriffe anglais refait déjà son apparition avec "Movement in a Storm", un deuxième album marqué par une présence plus importante des sonorités électro. On avait en effet rangé hâtivement James Yuill dans la catégorie « folktronica » qui comme son nom l'indique mélange folk et électro mais sur son nouvel opus, à deux ou trois exceptions près concentrées en queue de peloton (Sing Me a Song ; Wild Goose at Night ; Ray Gun), c'est l'électro qui a pris le dessus sur les ambiances boisées. La première partie de "Movement in a Storm" regorge en effet de synthés vintage. Pour un peu on se croirait revenu dans les années 80. Bien que toujours pop dans l'âme (Crying For Hollywood ; First in Line ; Sing Me a Song), les titres de ce nouvel album reposent sur des boucles électroniques, des petits sons de synthés bien « cheap » et une boîte à rythme omniprésente, sur lesquels James Yuill vient poser sa vois délicate. L'évolution par rapport à "Turning Down Water For Air" n'est pas fondamentale mais on sent tout de même que l'Anglais a souhaité tailler ses morceaux pour le dance-floor, à l'image de l'électro boursoufflée du single On Your Own. S'il s'écoute sans déplaisir, le deuxième album de James Yuill peine à confirmer les espoirs placés dans son prédécesseur. Dommage.

Middle East (The) - The Recordings of the Middle East

Sun, 25 Jul 2010

On ne sait pas grand chose de ce groupe. Le seul élément que l’on connaisse d'eux c’est leur origine australienne, rien à voir donc avec leur nom qui évoque le Moyen Orient. Leur album date de 2008 mais n’était sorti qu’en Australie. C’est en octobre 2009 que le collectif de Townsville décide de s’exporter aux Etats-Unis avec un EP extrait de ce premier disque. Mais depuis cette date il n’y a pas eu d’ouverture sur le monde. "The Recordings of The Middle East" reste pour le moment une petite légende que l’on racontera à nos petits enfants à la lumière d’une chandelle. Il y a de quoi rêver dans le contenu de cet album. Les mélodies de ce véritable orchestre reprennent ce qui se fait de mieux dans la musique indie : une introduction folk avec la chanson intitulée The Darkest Side sur laquelle on peut entendre la douce voix cristalline de Bree Tranter, du shoegazing sous contrôle avec une guitare criarde camouflée sous le titre Beleriand, de la douceur acidulée qui fond sur la langue et finit par piquer sur la fin appelée Lonely, un hymne repris en chœur par une bande de hippies (Blood) et puis il y a la chanson planante intitulée Pig Food, une merveille dans sa construction avec sa longue montée en douceur jusqu’au point de rupture de l’explosion instrumentale. C’est le symbole même de la musique de The Middle East, une musique des grands espaces, une musique qui respire, une musique qui vous fait regarder autour de vous lorsque vous l ‘écoutez. A la manière de Sigur Ros, les australiens doivent s’inspirer du milieu qui les entoure, à savoir les grandes étendues désertiques, pour créer ses mélodies. Ce sont de véritables voyagistes de la musique indie, capables de vous transporter dans paysages sonores inexplorés.

Small Black - Small Black EP

Sat, 24 Jul 2010

Ce EP de Small Black une des nouvelles sorties de Jagjaguwar, le petit label devenu grand. Les américains de Small Black évoluent dans un rock agrémenté de shoegaze, formant un tout classe où l’on rencontre essentiellement des guitares saturées, une voix lointaine prises d’assaut par des synthés rétro aux boucles tordues qui offrent une rythmique dansante. Ce premier EP (après un split avec Washed Out et un single) est une bonne surprise musicale puisqu’il renferme quelques incontournables comme Despicable Dogs ou Weird Machines. Le reste tourne malheureusement un peu en rond, sans grande variation d’accords, mais le premier effort des américains de Brooklyn est à saluer.

Titus Andronicus - The Monitor

Thu, 22 Jul 2010

Réjouissante découverte sur scène, le groupe américain Titus Andronicus suscite quelques interrogations au moment d’aborder ce deuxième album : est-il possible de transcrire ce formidable enthousiasme avec la même pertinence sur disque ? La réponse, nette et sans appel, ne tarde pas à s’imposer : c’est raté ! De l'énergie, ce groupe en a à revendre, sans aucune doute, mais cette fougue s’accommode mal avec une orientation surprenante visant à marier la fulgurance du punk avec des structures plus complexes, à la limite du rock progressif. Sur plus d'une heure, la formule tourne court. Les premiers morceaux, pleins de fraicheur, séduisent avec leurs chants foutraques, leurs mélodies de guitares calibrées pour stades à la Big Country, leurs changements de rythme à répétition... Assez rapidement, les mêmes ingrédients se voient recyclés à l'envi, jusqu'à saturation, sans discernement. Les morceaux, étirés sans raison ni pertinence, se transforment en divagations pénibles. Les approximations du chant, que l'on supportait de bonne grâce le temps de quelques chansons, tournent à l'insupportable, réduisant en bouillie les quelques mélodies que l'on pensait glaner et l’on se retrouve plus souvent à penser aux beuglements d’une bande de bûcherons avinés qu’aux refrains de véritables chansons. Et comme toujours, ce qui s’avère merveilleusement grisant lorsque l’on partage l’ébriété des dits bûcherons se révèle surtout gênant si l’on reste sobre. D'autant qu'en parallèle, le recours incessant au même rythme balloche accompagné de violons ivres achève de faire basculer l'entreprise du côté du cliché. "The Monitor" devient peu à peu indigeste, interminable pensum de ce que le collège rock américain peut produire de plus caricatural. On comprend que Pitchfork en bave des ronds de chapeaux. De notre côté de l'Atlantique, les recettes de ce genre sont moins systématiquement appréciées, une question de culture sans doute. Avec un peu moins d'indulgence et de complaisance, Titus Andronicus aurait pu livrer une belle petite bombe punk nerveuse et racée. En se laissant aller à des penchants coupables, le groupe nous offre un pavé ventripotent et sans charme, où la fougue et l'énergie ronronnent à vide et se muent rapidement en approximation et en emphase inutile. On se contentera donc d'un bon souvenir scénique sans perdre plus de temps avec cet embarrassant "Monitor".

White Lies - To Lose My Life

Tue, 20 Jul 2010

Même l'obscurité du ciel menaçant qui orne la pochette de ce premier album des White Lies ne nous empêchera pas de voir à l'horizon planer ces beaux spécimens de corbeaux... Voici en tout cas des musiciens qui n'ont pas peur des caricatures. C’est d’ailleurs leur absence totale de complexes qui les rend relativement attachants. La fascination morbide est présente dans les paroles de chaque chanson ou presque ; impossible de trouver le moindre couplet qui ne parle pas de mort : rien que les titres des deux premiers morceaux (Death et To Lose My Life) en disent long sur la tonalité de l'album. On peut se tromper, mais on éprouve ici l’impression que cette attirance pour le néant relève de la pose, du jeu, d'un artifice destiné à s'accorder aux besoins d'une musique volontairement grandiloquente, plus qu'il ne révèle un réel désespoir chez les White Lies. La formule consciencieusement appliquée tout au long de l'album n'est pas nouvelle, c'est celle découverte au début des années 80 et peaufinée depuis par U2, Coldplay, Interpol, Editors et de nombreux autres : un rock mélodique enflammé, volontiers emphatique, accrochant l'oreille par des motifs de guitare simples et efficaces qui pavent la voie vers des refrains taillés pour les stades... Les estomacs difficiles, les parangons de l'élégance et de la délicatesse risquent d'éprouver quelques difficultés à supporter les White Lies, d'autant que ces derniers, outrage suprême au bon goût, n'hésitent pas à recourir à des synthétiseurs résolument pompiers. Les auditeurs plus indulgents avec ce style particulier d'expression rock reconnaitront en revanche quelques chansons remarquablement conçues : Unfinished Business, E.S.T. ou From The Stars en particulier dominent un milieu d'album particulièrement réussi, où les moments forts se succèdent avec un certain souffle et où la voix de Harry McVeigh prend une belle ampleur. Les White Lies clament à qui veut bien les entendre qu'ils n'ont découvert les grandes influences qu'on leur appose régulièrement que depuis qu'ils lisent les critiques de leurs disques. On n'en croit bien sur pas un mot... Reste que pour ce qui est de trousser quelques hymnes ampoulés mais redoutablement addictifs, ces vilains menteurs s'y entendent plutôt pas mal. Voici un album qui ne marquera certainement pas son époque mais qui s'écoute formidablement bien, qui accroche d'emblée l'oreille avec une efficacité peu commune et qui ne s'abandonne qu'avec quelques difficultés et après un bon nombre d'écoutes. On absoudra donc les White Lies de leurs pêchés de gourmandise pour ce premier album ; reste à voir s'ils sauront par la suite rééquilibrer leur musique et la ramener vers plus de sobriété tout en gardant leur talent mélodique ou s'ils choisiront de continuer à forcer le trait pour rejoindre la longue liste des grosses cylindrées de stadium-rock devenues pachydermes flatulents après des débuts prometteurs...

Villagers - Becoming a Jackal

Mon, 19 Jul 2010

La vitesse avec laquelle le public s'amourache subitement d'un artiste a toujours quelque chose de fascinant. Fascinant et effrayant. Pour Conor J. O'Brien, irlandais au physique juvénile dissimulant encore mal une certaine timidité en public, on peut dire que les dernières semaines ont été fructueuses. L'ex-leader de the Immediate est en effet passé du statut d'inconnu (hormis pour les insatiables défricheurs du net) à celui de next big thing puis carrément de phénomène surfant sur un buzz savamment orchestré. Officiant désormais en solo (peut-être plus pour très longtemps), Conor O' Brien a profité de l'occasion pour mettre ses tripes à nu sur les 11 titres de "Becoming a Jackal". La plupart du temps interprétées dans des versions minimalistes (voix + guitare) qui leur sied à merveille, les chansons du premier album de Villagers font irrésistiblement penser à celle d'un autre Conor (Oberst), mélangeant avec soin folk US et pop anglaise. Moins intenses sur disque que sur scène, les chansons de Villagers n'en possèdent pas moins un fort pouvoir empathique grâce à des textes à la fois très personnels et universels. On citera parmi les morceaux les plus réussis de cet album aux côtés de la chanson-titre (Becoming a Jackal), les superbes Home ; Pieces et To Be Counted Among Men ainsi qu'un Set the Tigers Free ou encore l'introductif I Saw the Dead qui n'est pas sans rappeler les travaux récents d'un DM Stith ou d'un Patrick Watson. Né sous une bonne étoile, filante qui plus est, le projet solo de Conor O'Brien profite de l'excellent et mérité bouche-à-oreille généré par les performances live en tout point réussies de l'Irlandais. Son premier album s'impose d'ores et déjà comme l'une des très belles surprises de l'année.

Johnston (Daniel) - Beam Me Up !

Sun, 18 Jul 2010

« Beam Me Up ! » est un disque où Daniel Johnston réinterprète la plupart de ses morceaux les plus connus avec un orchestre néerlandais. Voilà le genre de projet étrange, sorti de je ne sais quelle idée fantaisiste, apparu dans le cerveau torturé du songwriter. On y reconnaît, dès les premières notes, la voix chevrotante du père du DIY, accompagné par une section à corde et quelques cuivres étrangement radieux ; le décalage parfait. Ce disque est donc un joli paradoxe, entre la voix hésitante, fatiguée, fragile, naïve, parfois fausse, mais qui véhicule une émotion à fleur de peau, capable de tirer mille larmes par son interprétation bouleversante, et un orchestre carré, précis, professionnel, mais finalement un peu froid. Au fur et à mesure de l’écoute des titres, j’ai l’impression d’entendre un jeu qui semble se créer entre Daniel Johnston et le Beam Orchestra, chacun se cherche, finit par se trouver, puis se sépare rapidement … Cette musique ne s’accorde pas facilement, et mine de rien, Daniel Johnston réalise là une sorte d’Easy-Listening Lo-Fi qui ferait trembler les amateurs de chanteurs aux voix trop parfaites. Daniel Johnston et le Beam Orchestra réinterprètent ainsi quelques un des plus beaux titres du texan lunatique, comme les immenses True Love Will Find You In The End, Wicked World, Devil Town, … Un seul regret, pourquoi « Beam Me Up ! » n’est-il pas sorti en cassette ? La bande magnétique tremblotante aurait parfaitement convenu à l’ensemble de ces morceaux excentriquement joués. Voilà donc un disque curieux, étrange, sympathique, pas inoubliable, car il reste loin du pincement au cœur et du vague à l’âme que j’ai pu éprouver en écoutant « Song Of Pain », « 1990 » ou encore « Fun ». Mais “Beam Me Up” vaut largement tout les instants un peu décalés que j’ai pu avoir en écoutant cet album étrangement fagoté.

Babybird - Ex-Maniac

Sat, 17 Jul 2010

Il y a longtemps, Stephen Jones était l’auteur d’un tube qui passait en boucle à la radio (je parle d’un temps que les moins de vingt ans ne peuvent pas connaître). You’re Gorgeous est le genre de titre, à la manière d’un bonbon au poivre, qui montre comment quelques groupes de brit-pop savenr ciseler des mélodies ultimes pour accueillir leurs textes les plus noirs, et dont le plus digne représentant est Luke Haines, qui a sûrement été, pendant un moment, une inspiration pour le leader de Babybird. Quelques disques et beaucoup d’années plus tard, Babybird est de retour, mais point de titre comme You’re Gorgeous au rendez-vous. A la place on a droit à des histoires de drogués (Drug Time), de suicide (Failed Suicide Club) et tout un tas de joyeusetés du même genre emballées dans des compositions plutôt classiques et limite Rock-FM. Il faut bien reconnaître que le cynisme est là, mais les mélodies, elles, sont quand même assez molles du genou, on a du mal à retenir un bâillement au bout du troisième titre. Ca tourne en rond, malgré l’apparition de Johnny Depp qui joue de la guitare sur Unloveable. Pourquoi pas Vanessa Paradis, tant qu’on y est ?... Malgré toute la sympathie que l’on pourrait avoir pour Stephen Jones, ce songwriter anglais qui peine à rentrer dans la catégorie tellement convoitée des chanteurs maudits, ce dernier disque reste très anecdotique. La faute à une écriture musicale finalement assez plate et peu inspirée.

Jeremy Jay - Splash

Fri, 16 Jul 2010

"Elégant" est le terme qui définirait le mieux l’homme et sa musique. Il a tout du dandy, et bien qu'il soit américain ce nouvel album démontre une fois de plus que ses origines musicales sont situées en Grande-Bretagne. Il est en effet l’auteur d’une pop très classe jouée avec beaucoup de finesse, une sorte de costume trois pièces où la voix, les mélodies et les textes sont parfaitement assortis. Mais attention, on ne s’y sent pas pour autant à l’étroit. Il suffit d’écouter le très sautillant Just Dial My Number et son piano dansant ou la très énergique guitare de Splash. Le jeune homme n’a pas qu’un seul ensemble dans sa garde robe : tantôt il revêt son costume de crooner des années 80 dans le style Morissey (Hologram Feather), tantôt c’est le complet du chanteur habité avec une voix froide comme Ian Curtis qu’il enfile, et parfois il lui arrive même de se travestir en Lou Reed (A Sliver of a Chance). Tout ceci est donc très esthétique mais avec une petite touche de nonchalance qui donne du charme et surtout de la personnalité à la musique du californien. Il y a beaucoup de légèreté dans sa façon de chanter ses mélodies comme par exemple ses fredonnements pour terminer ses morceaux ou sa manière de chantonner (As You Look Over The City). On regrette alors la durée du disque que l’on trouve trop courte (même pas 30 minutes). On a même l’impression d’un album incomplet mais on sait que Jeremy Jay a annoncé un successeur à ce « Splash » pour la fin de l’année. On a attend donc avec impatience cette nouvelle production pour se replonger dans l’univers velouté du dandy.

Moonjellies (The) - Inner Anger, Feather

Thu, 15 Jul 2010

Après un EP remarqué dans notre sélection de groupes autoproduits, Moonjellies, en provenance de Tours, enchaine fort logiquement sur un premier album. Réalisé en studio avec des moyens plus importants, ce disque est l’occasion pour le groupe d’enrichir sa palette sonore pour mieux construire un bel écrin pop prompt à accueillir leurs morceaux. Dès les premières notes de Meeting Place, Moonjellies joue la carte des compositions plutôt catchy réalisées en technicolor. C’est joué avec une innocence si rare qu’il est difficile de ne pas tomber sous le charme de ces douze titres. Moonjellies a donc enrichi ses morceaux avec de nombreuses orchestrations qui lorgnent furieusement vers les Beatles, les Beach Boys, sans oublier les Kinks en terme d’inspiration. Des références qui auraient fait peur aux premiers venus, mais qui n’arrêtent pas les musiciens de Moonjellies qui trouvent là un beau terrain de jeux musical, et s’en sortent avec les honneurs. Le groupe sait rester modeste et multiplie les instrumentations pop et folk sur les trente minutes de « Inner Anger, Feather ». Chœurs Wilsonniens, guitares claires, orgues vintages, mandoline et glockenspiel sont les invités de chacune de ces belles pièces pops. Bien sûr le groupe se cherche encore un peu, les mélodies sont parfois très référencées, sûrement trop pour ceux qui n’accrocheront pas devant le côté déjà vu de certains titres, mais ce premier disque est suffisamment touchant et réussi pour convaincre. Il reste à espérer que le groupe garde l’univers et la personnalité qu’il vient de créer, sans pour autant prendre le virage de la pop tiède en provenance de l’hexagone, peut-être en cultivant un certain grain de folie. Pour le moment, "Inner Anger, Feather" a tout pour rester un bon moment sur nos platines.