Indiepoprock.net - chroniques de disques

Clogs - The creatures in the garden of Lady Walton

Fri, 19 Mar 2010

Clogs est souvent présenté comme le projet parallèle de Bryce Dessner, membre de The National, ces derniers bénéficiant d'une notoriété supérieure. Cette dénomination est pourtant réductrice et quelque peu trompeuse. Dabord parce que Clogs offre une musique bien différente, souvent instrumentale, influencée aussi bien par la musique classique que par la pop. Ensuite parce que la tête pensante du groupe est avant tout Padma Newsome, qui signe d'ailleurs l'ensemble des titres de ce nouvel album. Cependant, "The creatures in the garden of Lady Walton" marque un tournant dans la carrière du groupe qui, pour la première fois, propose un chant sur la majorité de ses morceaux. Et tant qu'à faire, quand on a de bonnes relations, autant ne pas s'en priver. Ainsi, sur cinq morceaux, c'est Shara Worden, alias My Brightest Diamond, et sans aucun doute une des plus belles voix de la pop américaine actuelle, qui se charge du chant, tandis que Matt Berninger, de The National, ainsi que Sufjan Stevens, pour une apparition tout en discrétion (ça devient une habitude), complètent le casting. Excusez du peu. Toutefois, le risque, dans de telles conditions, est comme toujours d'avoir affaire à un bel écrin qui renferme un enchaînement de bons numéros sans grande cohérence entre eux. Pris individuellement, Last song, chantée par Matt Berninger, est par exemple une très belle chanson, épurée, parfaitement ciselée pour le grain de voix de son auteur, à l'aise dans son registre, sans fioritures. Mais elle est d'autant plus réussie qu'elle s'inscrit au sein d'un album sur lequel Clogs n'a en rien renié ses ambitions. Paradoxalement, c'est même en nous prenant un peu à rebrousse-poil qu'on le comprend, et par l'entremise des morceaux chantés par Shara Worden. En effet, on connaît les vastes capacités vocales de la demoiselle, ainsi que la passion qu'elle nourrit pour le classique. Ici, sur des pièces qui évoquent Brahms ou la musique baroque, elle s'en donne à cœur joie, développant comme jamais un chant qui monte souvent très haut, plus lyrique que pop dès On the edge et avec encore plus d'intensité sur The owl of love. Alors on peut s'agacer, trouver que c'est un peu trop, qu'un peu plus de mesure n'aurait pas fait de mal. Mais ce serait oublier que Clogs n'a jamais fait dans les albums "faciles", même si un instrumental comme I used to do aurait pu nous laisser penser que le groupe s'orientait vers une approche plus directe. Il faut donc se débarrasser de ses idées préconçues et accepter d'entrer vierge dans ce jardin aux créatures bien singulières. Alors seulement on peut se laisser porter par les notes de harpe célestes, les mélodies tortueuses, habitées, s'abandonner complètement à leur beauté, exacerbée par la voix de Shara Worden à laquelle on finit par céder sans restrictions, et ce jusqu'au final We were here, sur lequel Sufjan Stevens nous chuchote doucement à l'oreille et nous ramène lentement sur un terrain plus familier, mais pas moins beau. "The creatures in the garden of Lady Walton" s'impose donc dès à présent comme un des plus beaux albums de cette année, et il ne sera pas facile de venir s'aligner à côté.

Gorillaz - Plastic Beach

Thu, 18 Mar 2010

Oubliez "Gorillaz", oubliez "Demon Days", ces séries B à petit budget : avec "Plastic Beach", tout est vu en plus grand. Format XXXXXXL. Le casting est renversant : de Lou Reed à Snoop Dogg en passant par Gruff Rhys, Mos Def, les deux ex-Clash Mick Jones et Paul Simonon - et on en passe encore quelques-uns. La campagne publicitaire est évidemment à l'avenant, impossible d'échapper aux graphismes de Jamie Hewlett placardés sur tout ce qui peut faire office de cloison. Pour le retour aux affaires de son grand singe, Damon Albarn sort ses petits bras musclés et semble bien décidé à montrer qui est le plus fort. Comme toujours avec lui, on a instinctivement envie de sortir les griffes... et il faut bien avouer qu'une fois de plus, on en reste pour nos frais. Ce n'est pas cette fois-ci qu'on dégustera du primate haché : même avec la meilleure volonté du monde, il faudrait être de bien mauvais foi pour dézinguer un tel disque. Mieux encore, le groupe virtuel signe là son meilleur album. Certes, on n'y croise pas forcément de machine de guerre à l'immédiateté éclatante comme Clint Eastwood ou Feel Good Inc. Mais, outre des gimmicks bien vus et des featurings à se pincer, la grande force de "Plastic Beach" réside dans son homogénéité. Unité de ton d'abord : là où les précédents albums organisaient un zapping frénétique de styles, à y perdre l'auditeur noyé sous les références, Albarn choisit de mieux canaliser son super-non-groupe. Le parti-pris est pourtant ambitieux, très orienté vers une électronique assez froide, malaisante, parfaitement symbolisée par l'infectieux single Stylo. Mais la formule est très travaillée et dangereusement addictive : approche minimaliste, son énorme, accroches mélodiques savamment distillées (Empire Ants, Plastic Beach ou encore Superfast Jellyfish), Damon et ses potes laborantins ont élaboré une formule redoutable. Ensuite, il faut bien l'avouer : avec Gorillaz, on avait pris l'habitude de se sentir un rien floué, avec des albums mal fagotés, de nombreux morceaux hautement dispensables faisant office de remplissage. Que l'on se rassure, il y a bien des tubes, il sont juste (un peu) dissimulés, presque rebutants à la première écoute : si On Melancholy Hill est une merveille cyber-pop immédiate, il faut trois écoutes pour s'habituer à Stylo (probablement une centaine pour s'en défaire, on n'a pas encore atteint le quota), et il faut attendre plusieurs minutes pour que Empire Ants prenne son essor extatique. Mais "Plastic Beach" s'avère bien plus cohérent, avec moins de sommets évidents et surtout moins de plages d'ennui... Bref, pour la première fois le concept fumeux et un peu casse-bonbons imaginé par Hewlett et Albarn apparaît secondaire et s'efface largement devant la qualité d'un véritable album, intelligent, exigeant, diablement bien conçu. Pour la première fois, on a envie de croire que derrière Gorillaz se profile une vraie idée de (bonne) musique, une notion de variété haut de gamme, à laquelle on a envie d'adhérer

McGrath (Eamon) - 13 songs of Whiskey and Light

Wed, 17 Mar 2010

Ce qui surprend à la première écoute de cet album d'Eamon Grath, c'est le timbre de vieux loup de mer de ce jeune canadien et le rendu live des morceaux de son "13 Songs of Whiskey and Light". A peine 20 piges au compteur de ce Canadien et déjà 18 albums à son palmarès, enregistrés chez lui, et n'ayant probablement jamais dépassés la porte du garage hormis pour quelques concerts dans des bars louches. Une centaine de morceaux dont le natif d'Edmonton n'a gardé que la substantifique moelle, soit 13 chansons bourrées d'énergie, de passion et d'un peu de bourbon. Tantôt folk, tantôt blues, tantôt rock, le tout dans un esprit punk, voilà à quoi ressemblent les chansons d'Eamon McGrath. La production est à minima, ce qui explique le rendu live et donne parfois une impression d'amateurisme ou de fraîcheur bienvenue, selon que l'on apprécie ou pas l'univers du Canadien. Quelques titres sortent du lot, notamment l'introductif Welcome to the Heart au piano, un Machine Gun Cowboy que l'on a du mal à croire écrit et interprété par un gamin d'à peine 20 ans (« I'm going up to heaven soon »), un Last Man Standing en forme de lendemain de gueule de bois ou encore le déchirant Desperation, Alberta. S'il est trop tôt pour dire si un songwriter est né, on est sûr d'une chose, Eamon McGrath a du talent et de la volonté à revendre et l'on suivra avec attention ses futurs travaux, à commencer par le premier album qu'il enregistrera en studio cet été.

Ruby Suns (The) - Flight Softly

Tue, 16 Mar 2010

On avait laissé les Ruby Suns en 2008 avec le très bon album "Sea Lion", un joli disque de musique pop qui faisait la part belle aux mélodies des années soixante. Deux ans plus tard, c’est avec une toute nouvelle formule que le groupe - dont Ryan McPhun est le seul maitre à bord - revient avec une toute nouvelle ligne directrice et mélodique. Mettant de côté les espaces verdoyants et les sonorités acoustiques de ses précédents efforts, "Flight Softly" laisse exprimer pleinement les synthétiseurs et les boites à rythme. A l’image du dernier effort de Yeasayer, le changement est radical, alors que l’un visitait auparavant le psychédélisme folk des années 70 et l’autre, la pop aérienne des années 60, les deux groupes semblent s’être donné rendez vous dans les années 80. Problème, l’un d’eux semble avoir complètement loupé le coche. Car là où le groupe de Brooklyn réussissait pleinement son pari en convoquant des mélodies pop évidentes, les Ruby Suns fatiguent, pire ils agacent. A l’écoute des 10 titres, on se rend compte que Ryan McPhun s’est beaucoup trop éparpillé, le Néo-Zélandais a certes énormément d’idées en tête mais à trop vouloir en mettre, l’artiste se perd et nous avec. Au lieu d’écarter certaines de ses idées, il a cherché à toutes les caser, on se retrouve alors avec des morceaux bancals à l’image de How Kids Fail qui ne manque pas une occasion de multiplier les cassures rythmiques, une habitude beaucoup trop présente sur ce disque qui consiste à laisser un « blanc » sonore avant de repartir sur un nouvel air musical, une idée qui aurait pu être intéressante si l’on ne l’avait pas retrouvé sur à peu près tous les titres ! Certains y verront du génie, d’autres une incapacité à amené correctement ses mélodies dans une autre direction. Alors dans tout ce fourmillement d’idées, certaines sont admirables, mais elles ne sont jamais exploitées au maximum de leur capacité, c’est typiquement le disque où l’excitation nous gagne quelques minutes (sublime refrain d’Olympics On Pot) avant de nous refaire tomber en léthargie un bon moment tel le (trop) contemplatif Closet Astrologer d’une longueur insoutenable. Heureusement quelques réjouissances sont au programme comme lorsqu’il s’amuse à se lancer dans des mélodies tropical rappelant le bondissant El Guincho! Ainsi, Cranberry, seul tube notable de cet album pénible fait monter en nous cette euphorie qui explose à l’arrivée de ce refrain imparable. On reconnaitra les bonnes idées disséminées dans les quelques recoins fréquentables de "Flight Softly", mais on regrettera l’usage qu’il en fait, c'est-à-dire, trop vite abandonnées et trop mal exploitées. Se complaisant dans un style rappelant le courant chillwave, Ryan McPhun use et abuse des sonorités électroniques 80’s transformant ainsi ces compositions en une bouillie sonore… Voilà un album où l’accumulation de synthétiseurs aurait gagné à être épuré afin d’éviter une indigestion qui, hélas, est inévitable dans le cas présent.

Besnard Lakes (The) - Are the roaring night

Mon, 15 Mar 2010

Lorsque les Besnard lakes avaient débarqué en 2007 avec "Are the dark horse", on avait eu l'impression d'avoir affaire à de vieux briscards alors qu'il s'agissait pourtant de leur premier véritable album. Mais il est vrai que leur CV qui attestait de leur investissement dans de nombreux autres groupes canadiens de l'époque (Stars, Dears...) et la longue liste d'albums déjà produits par leur leader avait un peu brouillé les pistes. En outre, cette impression était peut-être aussi renforcée par le sentiment d'écouter une musique mature et qui prenait ses racines du côté des années 70 plutôt que dans la pop indé de ces dernières années. "Are the roaring night" s'inscrit dans la même lignée que son prédecesseur. Pochette soignée, qui contribue à l'identité du groupe, et, au niveau musique, de grandes plages psyché où s'éclatent des guitares décomplexées qui font plein de notes, des cordes... Et tout cela paraît d'une telle évidence qu'on en oublierait presque le tour de force que réussit ce groupe, à savoir nous faire aimer tout ce qu'on a souvent détesté : l'emphase, la trop grande "virtuosité" des groupes des années 70 apparus dans la lignée de Pink Floyd et Genesis et qui avaient donné vie à ce qu'on appelait alors le rock progressif, synonyme pour tout amateur d'indie pop qui se respecte de genre à fuir au plus vite. Et pourtant, dès son dyptique Like the ocean, like the innocent pt. 1 & 2, les Besnard lakes parviennent à en extirper le meilleur (le souffle, la verve musicale) tout en laissant le pire de côté (la grandiloquence, la surenchère dans l'empilement des instruments et des arrangements). Mais les Besnard lakes ne doivent pas pour autant être réduits à un groupe nostalgique chargé de redorer le blason de glorieux aînés. "Are the roaring night" est avant tout une superbe matrice à morceaux à géométrie variable, où les guitares savent parfois se faire brumeuses et grondantes, telles sur Albatross, qui cette fois évoquera l'esprit des éternels My bloody valentine, plus éthèrées sur la superbe ballade Land of the living skies. Se révèle enfin une capacité à bousculer les dynamiques traditionnelles sans tomber dans l'alambiqué qui fait la réussite éclatante du splendide Light up the night : un démarrage calme, presque recueilli, avant une montée qui culmine dans la déclamation d'une phrase musicale exacerbée par les guitares et les violons. Les Besnard lakes signent donc un nouvel album qui ne cherche pas la surenchère, mais qui par sa capacité à assembler des éléments et des dynamiques qui ne sont pas à la portée des premiers venus, se révèle une sacrée belle boîte à idées.

Langhorne Slim - Be Set Free

Sun, 14 Mar 2010

Sans connaître l'artiste et à la simple lecture de son pseudonyme, on s'attendrait de la part d'un Langhorne Slim à un album de country bon teint, fleurant bon le cuir, le stetson et le poney. Les apparences sont trompeuses : "Be Set Free" nous parle de folk et de pop, avec des influences à chercher plus volontiers chez quelques grands anciens du genre (Cat Stevens ou, évidemment, Dylan) que du côté des standards plus récents, malgré la présence d'un Decemberist aux manettes. En tout cas, Langhorne Slim sait dégainer ses meilleures armes d'entrée de jeu : après Back To The Wild et surtout le parfait Say Yes, on est prêt à signer des deux mains, auxquelles on adjoindrait même une troisième, au prix de manipulations génétiques douteuses, pour I Love You, But Goodbye... Dommage que le niveau redescende aussi vite ensuite et surtout que la répétition s'installe de façon aussi patente. Parmi les ratages : Cinderella, qui tente de sautiller mais se prend surtout les pieds dans le tapis, Yer Wrong, prédiction auto-réalisatrice, ou encore So Glad I'm Coming Home, qui sonne comme un mauvais Pogues sobre. Malgré ces faiblesses, "Be Set Free" finit par être presque aussi attachant qu'il est inégal et ce n'est pas peu dire. Sur les morceaux les plus posés, la voix de Langhorne Slim charme, certains de ses accents rocailleux évoquant un Van Morrison en goguette. Le morceau titre, Leaving My Love ou le très dénué Blown Your Mind empochent la mise avec élégance. Il manque à "Be Set Free" un petit plus qui lui permettrait de prendre un essor inespéré et de devenir un véritable album de chevet pop-folk. Cependant, sans être un chef-d'oeuvre, il n'en reste pas moins un disque agréable, chaleureux et sympathique.

Moonface - Dreamland EP : Marimba And Shit-Drums

Sat, 13 Mar 2010

Derrière Moonface se cache Spencer Krug comme le témoigne cette pochette explicite. Le jeune américain est un boulimique de travail (Sunset Rubdown, Wolf Parade, Swan Lake), probablement un des artistes les plus prolifiques de ces dernières années. Avec Moonface, il signe un album d'une seule chanson d'une durée d'environ 20 minutes librement téléchargeable pour le montant que vous désirez sur le site officiel. La chanson est donc réalisée au marimba (un instrument de percussions que l'on retrouve dans différentes cultures africaines et sud américaines), une batterie plus traditionnelle, et quelques synthés. Une fois de plus Spencer Krug étonne par son hyper-activité et son sens étonnant du renouvellement permanent. "Marimba And Shit-Drums" n'a rien d'un chef d'oeuvre, mais c'est un OVNI surprenant qui démontre une fois de plus son grand talent.

Hadouken - For The Masses

Fri, 12 Mar 2010

Deuxième album des Anglais d'Hadouken, le premier avait, paraît-il, connu un certain succès (plus de 100 000 exemplaires vendus). On leur souhaite la même réussite avec "For The Masses" mais on ne parierait pas un kopeck là-dessus. Suiveurs plutôt qu'instigateurs du mouvement new-rave, le quintette anglo-saxon propose sur son nouvel album un mélange de rock indé et de grime, un mélange appelé grindie, dont Hadouken est, cette fois-ci, l'un des instigateurs. Pas sûr que cela suffise à faire lever les foules. Le grindie propose en effet d'utiliser à la fois l'arsenal traditionnel du rock indé (guitares, basse) et de lui adjoindre celui du grime, à savoir synthés, samplers et phrasé rap. Ce mouvement vendu par une frange de la presse comme novateur n'est en fait qu'une resucée de ce qui a fait le succès d'un groupe comme Prodigy dans les 90's, le talent en moins. C'est également le sentiment qui prédomine à la suite de l'écoute de "For The Masses", l'impression d'avoir déjà entendu ces titres ailleurs (Prodigy, Linkin Park, Asian Dub Foundation) mais en mieux. Pas grand chose à sauver de cet album d'Hadouken, annoncé comme le prochain groupe qui fera danser l'Angleterre. On serait vraiment surpris et déçu si c'était le cas, l'Angleterre a beaucoup mieux à offrir...

Liars - Sisterworld

Thu, 11 Mar 2010

En réécoutant en accéléré la discographie des Liars, on se dit que Julian Gross, Aaron Hemphill et Angus Andrew ont composé chaque album en opposition avec le précédent… Liars a traversé en l’espace de huit ans le post-punk, le noise décérébré, l’ambiant, ou encore les guitares abrasives. Jusqu’à maintenant, on s’attendait donc à une grosse surprise avec “Sisterworld”, surtout que les premières notes balancées sur internet donnaient l’impression que les Liars s’étaient lancé dans le field-recording. Une première écoute de Scissor et déjà une évidence : les Liars ont mixé les différents climats ambiants de "Drums Not Dead" avec l’urgence électrique de "Liars". Une légère déception pointe alors qu'on avait envie de les voir continuer dans les changements de direction musicale. Pourtant, après quelques écoutes, la désillusion se lève rapidement, tant le reste du disque se révèle passionnant, d’une impressionnante cohésion entre la voix sombre, détachée et intense d’Angus Andrew, le travail complexe sur les guitares saturées, et la forte intensité des compositions. Une certaine unité qui donne surtout envie d’écouter "Sisterworld" en intégralité plutôt que de naviguer au gré de quelques titres essentiels. On pourrait alors s’arrêter sur plusieurs détails marquants, comme la fureur électrique de Scarecrows On A Killer Slant, les drones hypnotiques de Proud Evolution, ou encore la basse poisseuse de No Barrier Fun, mais non, mieux vaut parcourir ce disque de bout en bout. On laisse alors ce punk-noise à tendance psychédélique nous violenter les oreilles, créant comme un rempart de bruit qui nous permettrait de nous tenir à l’écart de tout, loin du monde qui court très vite autour de nous, une bulle protectrice un peu à l’image de la forêt ou de la plage que l’on peut voir en photos sur le site des Liars. Encore une fois les trois musiciens de Liars réalisent un grand disque et réussissent une musique à la fois puissante, immédiate et intransigeante. Ces compositions parlent autant au cerveau qu’à des éléments plus tribaux de nos corps, décidément ce groupe me plait depuis la début, et il semblerait que je sois programmé pour les suivre pendant encore un bon bout de temps …

Irrepressibles (The) - Mirror Mirror

Wed, 10 Mar 2010

On avait pu vérifier, avec le second album du Get Well Soon de Konstantin Gropper, que la pop baroque avait du mal à tenir la longueur d'un album. Ce qui fonctionne bien sur 3-4 titres a tendance a tourner à l'indigestion passé ce cap. Pourtant, en matière de baroque et d'orchestration grandiloquente, on a trouvé encore plus fort que Get Well Soon avec le collectif anglais The Irrepressibles. Dix membres, à la fois musiciens et performers, des concerts bénéficiant de véritables mises en scènes théâtrales, un leader (Jamie McDermott) au timbre androgyne et un album construit en forme d'opéra barococo, à la fois glam, pop, lyrique et baroque. L'écoute des 12 titres de "Mirror Mirror" dépasse en effet le cadre traditionnel de la musique, si l'on accepte de se laisser embarquer dans l'univers décalé de cette troupe haute en couleurs. Cordes (violons, violoncelles), vents (flûte, cor, clarinette...) et piano accompagnent Jamie McDermott le long de 12 saynètes aussi lyriques qu'excentriques, à la manière d'un Klaus Nomi ou, plus proche de nous, des Canadiens d'Of Montreal. On ne peut s'empêcher d'évoquer également la ressemblance vocale entre McDermott et Antony Hegarty (même s'il s'en défend), flagrante sur Forget the Past, même voix de tête perchée dans les aigus, ou à un degré moindre avec celle du Canadien Patrick Watson sur The Tide. "Mirror Mirror" est plutôt construit comme un opéra, une pièce de théâtre, que comme un album de pop indé classique. On a en effet le sentiment à son écoute d'assister à un spectacle tout autant sonore que visuel, avec ses moments de calme et ses envolées lyriques. Parmi les meilleurs moments de cet album on retiendra la grâce d'In Your Eyes et de My Witness, les envolées d'un Nuclear Skies ou au contraire le côté intimiste de The Tide, mais c'est avec le somptueux In This Shirt que le groupe de Jamie McDermott tutoie les sommets. Il clôture un album qui n'a, au final, qu'un seul défaut, celui d'arriver après le phénomène Antony & The Johnsons, mais avec un titre aussi beau qu'In This Shirt on consent à pardonner beaucoup de choses.